sábado, 29 de octubre de 2011

Pescado Rabioso - Pescado 2 'El Libro de Pescado Rabioso' (1972)




El Libro de Pescado Rabioso, el que alguna vez acompañó al disco doble "Pescado 2" en su primera edicion de vinilo.
El mismo contiene fotos y escritos inéditos de la banda. Además, cada tema va acompañado de una breve explicación sobre el mismo


Para disfrutarlo...

Por supuesto que el disco no esta descatalogado, por lo que recomiendo su asquisicion.

Pescado Rabioso fue una banda argentina de rock-blues, liderada por "el flaco" Luis Alberto Spinetta y acompañado por el baterista Black Amaya y el bajista Osvaldo "Bocón" Frascino. Formada en 1971, se disuelve en 1973, habiendo pasado por ella el teclista Carlos Cutaia y David Lebón en sustitución de Frascino. A pesar de haber durado poco tiempo, su estilo y originalidad musical generó una revolución en el rock argentino, dejando una huella indeleble en el mismo.

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Después de la separación de Almendra, Luis Alberto Spinetta decidió formar Pescado Rabioso, con Black Amaya y Osvaldo "Bocón" Frascino. Fue presentada ante la prensa en octubre de 1971, aún antes de bautizarla. Después, se presentó el 5 de mayo de 1972 en el cine teatro Metro como un trío. Luego, participó del Festival Buenos Aires Rock II e hizo diferentes presentaciones en Buenos Aires y La Plata.

En junio de 1972 se presentó ante más de mil personas en el teatro Atlantic, antes de lanzar su primer disco. Ese año comenzaron a grabar Desatormentándonos, placa debut de la banda, en los estudios Phonalex, que fue editado por Microfón. Para el final de la grabación este disco se incorporó Carlos Cutaia en teclados en forma definitiva, que colaboró en el tema "Serpiente (viaja por la sal)" y mas tarde David Lebón que venía de Color Humano donde tocaba la batería, para remplazar a Bocón en el bajo. Ese mismo año protagonizaron la película "Hasta que se ponga el sol" (1972), dirigida por Aníbal Uset.

En noviembre del año 1972 comenzaron las grabaciones en Phonalex del álbum doble, Pescado 2, que quedó listo para finales de enero de 1973. El segundo LP, al ser un disco doble, duplicó también los problemas de producción habituales en las discográficas argentinas de la época. En esos momentos comenzó a generarse una división en la banda: Amaya, Lebón y Cutaia pretendían moverse a un estilo más cercano al blues, mientras que Spinetta quería continuar en un estilo más "lírico".
Esto generaba una contradicción para Spinetta, que consideraba a Pescado Rabioso como su banda, lo cual en última instancia causó la marcha de todos los integrantes de la banda a excepción de Spinetta.

Spinetta decidió entonces grabar las nuevas canciones que había compuesto él solo. En parte porque no le gustaba la idea de poner su propio nombre en un disco y en parte para demostrarle a sus ex compañeros de banda que "Pescado Rabioso era yo", sin embargo, el disco Artaud sería lanzado bajo el nombre de Pescado Rabioso. En el disco puede leerse la siguiente explicación:

"Pescado Rabioso es una idea musical creada en 1971 por Luis Alberto Spinetta. A través de esta idea tocaron en grabaciones y actuaciones los siguientes músicos: Juan Carlos Amaya, Osvaldo Frascino, Carlos Miguel Cutaia y David Oscar Lebón. Los músicos que aparecen en este disco sólo están ligados a la idea Pescado Rabioso por las circunstancias de la grabación y a expreso pedido de Luis Alberto Spinetta."

El álbum se compone de cinco canciones en las que Spinetta interpreta todos los instrumentos, mientras que en los restantes lo acompañan su hermano Gustavo en batería, Rodolfo García en batería y coros, y Emilio del Guercio en bajo y coros, éstos últimos ex-compañeros en Almendra y por entonces miembros de Aquelarre. Todos los temas fueron creados por Spinetta, aunque el crédito del disco pertenece a Pescado Rabioso. El disco fue presentado en una serie de recitales en el Teatro Astral.

“Viendo con perspectiva lo que fue Pescado Rabioso, creo que se dio un procedimiento al revés que el de Almendra”, sostuvo Spinetta en el libro de conversaciones con el escritor Eduardo Berti. “Si el primer disco de Almendra fue dulce y el segundo fue agresivo, en Pescado sucedió que a la altura del segundo disco yo traté de ‘almendrizar’ el sonido. Después, en Invisible, creo que llegué a la toma de conciencia de un punto de equilibrio entre ambos mundos"

Raul Porchetto - Porchetto (1976)



1. Sentado en el umbral de Dios
2. El rey y los ángeles
3. El delfín celeste
4. Bao babs
5. Dulce ángel
6. Amarillos de la avenida
7. Vuelve viejo sol
8. Ana en mi mente
9. Sonriendo - Despidiendo
10. Mercedes en silencio
11. La suite del pájaro

Raúl Porchetto (15/11/1949) apareció en 1972 con el "Acusticazo" y con su primer disco: "Cristo-Rock". Rápidamente se colocó en la vanguardia del folk acústico, junto a Sui Generis y León Gieco. Justamente con ellos formó PorSuiGieco, un grupo de amigos que tocaban y salían de gira cuando sus respectivos proyectos así lo permitían. Registraron un álbum en 1976.

Consolidado como compositor, grabó una seguidilla de cuatro LPs entre 1976 y 1979, para llegar a 1980 con "Metegol", su obra cumbre. Acompañado por Pablo Guyot en guitarra, Alfredo Toth en bajo y Willy Iturry en batería (es decir, los futuros GIT), este disco que fue producido artísticamente por el mismo Porchetto, revolucionó el sonido local y ganó en las encuestas de popularidad, superando incluso a "Bicicleta" de Serú Girán. En la misma línea editó "Televisión" (1981).

Con un estilo más simple y directo, Porchetto sacó "Che Pibe" (1982), que le otorgó un prestigio masivo inesperado y se reflejó en "Reina madre" (1983), uno de los discos más vendidos del rock nacional.

Dos grandes giras nacionales realizó en los dos siguientes años, batiendo records de público en casi todas sus presentaciones. Sin embargo, las ventas de "El mundo puede mejorar" (1984) y "Noche y día" (1986) bajaron considerablemente en relación a los trabajos anteriores.

Si bien editó más LPs, Porchetto "desapareció" de la masividad y se recluyó hacia una vida más interior, más mística, que ya había dejado entrever. «Cuando uno se profesionaliza, entra en una rueda muy loca de hacer un disco al año, de presentarlo en vivo, de hablar con la prensa, de hacer giras. Eso termina convirtiéndose en una forma de vida de la que es muy difícil escapar. Y en algún momento yo decidí bajarme de ese caballo y empezar a manejar mi vida de otra manera. Por supuesto que esta decisión me hizo perder el precio caro de perder en buena medida la comunicación con la gente y con los medios» (Ambito Financiero, 01/06/95).

"Madre de Dios" es una obra sinfónico-coral en cinco movimientos, escritos por Porchetto a la manera clásica sobre los textos evangélicos. Esta obra mística se presentó en el estadio Obras con dispares críticas. Las voces estuvieron a cargo del propio Porchetto, Jairo y Guillermo Guido, más el coro Kennedy y la orquestación de Angel Mahler.

Ocho años después de haber editado "Fuera de juego" -un disco con viejos éxitos y un solo tema nuevo-, Porchetto regresó con "Centavos de amor" (2001). Se trata de un álbum con letras muy críticas, donde sus hijos ya son parte de la banda: Daniel es el tecladista y Ana Clara hace los coros. Además, los acompañaron Javier Torrecillas, Sirso Iseas y Rafael Valle.

Spinetta Jade / Seru Giran - Estadio Obras 1980 (1980)




Este es el registro "no oficial" de los recitales que unieron a estos dos grandes grupos del rock argentino (dividido en dos CD). Sin nada mas que acotar, disfrutenlo
...En septiembre regresaron a la Catedral del Rock para realizar un concierto junto a Serú Girán, considerado por la crítica como "el evento musical del año". Era un hecho histórico que dos grupos de semejante magnitud estuvieran simultáneamente en el escenario. El show comenzó con Spinetta cantando el tema de Sui Generis, Cuando ya me empiece a quedar solo. Luego, de la oscuridad, surgió García con el tema Que ves el cielo. Bajo un clima enfervorizado, Lebón interpretó Música del alma y luego entraron todos los demás: Aznar y Moro, por un lado, Spinetta, Pomo, Satragni y Rapoport y Del Barrio por el otro. El recital se cerró con los dos grupos sobre el escenario interpretando El mendigo en el andén y Crisálida. La actuación de Spinetta Jade fue muy aplaudida, pese a su difícil estilo. Fue notorio el esfuerzo de Spinetta por lograr mayor simpleza en su música, para que el público de Obras pudiera entender su mensaje. Serú Girán, en cambio, fue ovacionado desde el comienzo, dejando en evidencia el increíble «feeling» que tenía con la gente...

Cortesia de Suan

Andres calamaro - Alta Suciedad (collector series bonus trks) (1999)


Octavo disco de la carrera de Andrés Calamaro como solista editado originalmente en 1997 y uno de sus más exitosos trabajos. Este disco marca un retorno a la carrera de Andrés como solista luego de su periodo con 'Los Rodriguez' en España (1991-1996).
Esta edición especial (Collector Series) se editó dos años después en 1999 conmemorando el éxito de ventas que ya había alcanzado el disco dos años antes. Contiene seis versiones demo de canciones no contenidas en el álbum de 1997, más un lujoso libro de 36 páginas conteniendo fotos y letras de los temas.

Entre las canciones que se destacan esta "Loco", tema que le valió un procesamiento judicial por incitar al consumo de drogas en la letra de la canción que dice «voy a salir a caminar solito, sentarme en un parque a fumar un porrito», del cual lo declararon absuelto.

Fue grabado en Estados Unidos con músicos sesionistas de renombrado prestigio, masterizado por Ted Jensen en Sterling Sound, New York y producido por el multifacético productor de Charly García Joe Blaney.
Contiene temas que fueron muy difundidos por las radios argentinas y latinoamericanas, como Flaca", "Loco", "Me Arde", "Elvis Esta Vivo" y las hermosas baladas "Media Verónica" y "Crímenes Perfectos"


01. Alta Suciedad
02. Todo Lo Demás
03. Donde Manda Marinero
04. Loco
05. Flaca
06. Quién Asó La Manteca?
07. Media Verónica
08. El Tercio De Los Sueños
09. Comida China
10. Elvis Está Vivo
11. Me Arde
12. Crímenes Perfectos
13. Nunca Es Igual
14. El Novio Del Olvido
PRIMERAS VERSIONES: BONUS TRACKS
15. Loco (demo version)
16. Flaca (demo version)
17. Todo Lo Demás (demo version)
18. Elvis Está Vivo (demo version)
19. Elvis Está Vivo (Reprise)
20. Madia Verónica (versión Chiapas)
21. Mi Enfermedad (con Diego Armando Maradona)

Todos los temas letra y música: Andrés Calamaro excepto "Nunca Es Igual" letra A.C y Escohotado,
música A.C. Jordan y Drayton

La Banda:
Andrés Calamaro: piano y piano eléctrico, clavinet, organo, mellotrón, guitarra acústica, sintetizador, coros
Steve Jordan: batería
Charley Drayton y Chuck Rainey: bajo
Hugh Mc Cracken, Marc Ribot, Eddie Martinez: guitarra eléctrica
Crispin Cioe: saxos
Ken Fradley: trompeta & flugherhorn
Crusher Bennett: percusión
Jesse Levy: cello

Músicos Invitados:
Celeste Carballo: coros
Ramón "Palito" Ortega: voz en "Elvis Esta Vivo"

Producido por Joe Blaney
Grabado en Iiwii studios (New Jersey) y Pilot (New York) en febrero de 1997
Mezclado en South Beach (Miami) en marzo de 1997
Grabaciones adicionales en South Beach y Pet Fi Home Studio (Madrid)
Mastering: Ted Jensen en Sterling Sound (New York)
Ingenieros asistentes: Sal Normando, Joe Sansone, Leo Herrera
Diseño gráfico: Zona De Obras
Foto portada: Ricky Dávila
Fotos interiores: Ricky Dávila, Javier Salas, Gary Gershoff y Andrés Calamaro

Cortesia de MarCan

Soda Stereo - Rarities




1. Amor Descartable (En Vivo Con Virus) (3:31)
2. Bajan (En Vivo) (4:51)
3. Cuando Pase El Temblor (English Version) (3:32)
4. Genesis (En Vivo Un-Plugged) (7:00)
5. Imagenes Paganas (En Vivo Con Virus) (5:20)
6. Juego De Seduccion (English Version) (3:03)
7. Seguir Viviendo Sin Tu Amor (En Vivo Con Spinetta, Paez) (3:17)
8. She`s So Heavy (En Vivo) (2:14)
9. Some One Day (Some Day, One Day) (Tributo A Queen) (3:56)

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Soda Stereo fue una banda argentina de rock, una de las más influyentes e importantes del ámbito latino en general.

Formada en Buenos Aires en el año 1982 por Gustavo Cerati (guitarra y voz), Héctor "Zeta" Bosio (bajo y coros) y Carlos Alberto Ficicchia (Charly Alberti, batería y percusión). Es considerada una de las más importantes de la historia del rock iberoamericano. En 1997 se disolvió por problemas personales y por diferencias de criterios artísticos entre sus integrantes. A mediados de 2007 la banda anunció su regreso para realizar una única gira continental llamada Me Verás Volver en la que reunió a más de un millón de seguidores y rompiendo varios records. Durante su trayectoria activa, el grupo vendió más de 7 millones de copias sólo en Latinoamérica, cifra que sigue aumentando luego de su separación.

Cuatro de sus álbumes han sido incluidos en la lista de los 250 mejores de todos los tiempos del rock iberoamericano o latino: Canción animal (Nº 2), Comfort y música para volar (Nº 15), Signos (Nº 40) y Sueño Stereo (Nº 41).

Su canción "De música ligera" ha sido considerada la segunda mejor del rock hispanoamericano y la cuarta de todos los tiempos, tanto del rock latino, como del rock argentino en particular. Las canciones "Te hacen falta vitaminas" y "Nada personal" han sido consideradas la Nº 73 y Nº 74 respectivamente entre los mejores temas de rock argentino.

Los videos de "En la ciudad de la furia" y "Ella usó mi cabeza como un revólver" fueron finalista y ganador respectivamente del entonces único premio MTV a la música latina. El video "Cuando pase el temblor" fue nominado finalista del 12° World Festival of Video and TV en Acapulco.

En 2002 recibieron el Premio Leyenda de MTV Latinoamérica por su trayectoria musical, el primero que entregó la entidad.6 En sus catorce años de existencia continuada realizaron 1.488 recitales en 97 ciudades de 18 países de América y Europa

Daniela - Jugo azul de uvas (1994)



01- Cuentame un cuento. (Cifuentes y Martin)
02- Fruit. (Ariel Leira)
03- La misión (Shark Attak). (Mathews Feldman)
04- Si alguna vez escuchaste. (Nestor Gutman)
05- Blues azul. (Daniela Hacker y Tweety Gonzalez)
06- La chinela de mamá. (Ariel Leira)
07- Los sonidos del silencio. (Paul Simon)
08- La vida es un sueño. (Daniela Hacker y Tweety Gonzalez)
09- Surfista plateado. (Paulo Ricardo y Fernando Deluqui)
10- Rap n´roll. (DR.)
11- Esta canción. (Nestor Gutman)
12- Mañanas campestres. (Gustavo Santaolalla)
13- Decir que te quiero. (Castro y Mazar Barnett)
14- Quedandote o yéndote. (L. A. Spinetta y Marti)


Maestra jardinera de profesión, Daniela Hacker había empezado en Piojos y Piojitos, un grupo de música para chicos.
Mas adelante se la vinculo con Daniel Grinbank, e intento hacer rock para chicos.
En su primer album, abunda el pop junto a muchos covers de temas del rock argentino como "algo flota en la laguna" de Pescado rabioso, "Hablando en japones" de Los Argentinos, "la mirada del adios" de Calamaro, "Cul de Sac" de Los Twist y "mama, amigos, tengo una tv color" de Santaolalla.
Y muchos invitados famosos...

Luego edito un segundo disco, en el que hay interesantes covers temas de Spientta, Santaolalla y Aierl Leira, entre otros, y sesionistas como Guillermo Vadala y Daniel Colombres, para pasar al olvido...

Cesar Banana Pueyrredon - De Coleccion (1993)




01 Cuando Amas a Alguien (3:31)
02 Habia una Vez un Gran Amor (4:40)
03 Cancion Para Juana
04 Todos Bailan
05 Mas Cerca de La Vida
06 No Quiero Ser Mas Tu Amigo
07 Felicidad, No Tienes Dueno
08 Ser Uno Mismo
09 Dejame Entrar en Tu Corazon
10 Por Siempre, Mi Buen Amor
11 Tarde O Temprano Asi Sera
12 Ellos Quieren Crecer
13 Aun Es Tiempo de Sonar
14 Nuestro Amor Comenzo a Vivir
15 Toda una Noche Contigo
16 Nadie Podra Hacerme Olvidar
17 Conociendote
18 Cuando Amas a Alguien [Version Re-Mix]

César formo su primer banda profesional a los 14 años junto con su hermano Daniel, su primo Alejandro Giordano y dos compañeros de colegio Alex Altberg y Daniel Larré. Esta llevó el nombre de "The Missing Links", la cual un año más tarde se denominaría "Mad", desintegrándose en el año 1968.
Nuevamente junto a su hermano Daniel y su primo Alejandro reclutaron tres amigos más para formar otra banda: Tatu Lix Klett en batería, Jorge Estévez en primera voz y el Griego Scoufalos en segunda voz, llamados los "Sixcodelics", influidos por la cultura pop predominante en el mundo. Claro que el nombre no era muy original y al poco tiempo decidieron cambiarlo por "Fever" ya con el Toro Martínez en batería. Con esta formacíon se creó, según César, el espíritu de "Banana".
De esa manera, en el año 1969 decidieron cambiar el nombre para que reflejara más aún la nueva etapa, ya que habían abandonado definitivamente el componer en inglés para hacerlo en castellano. Y en una reunión de amigos con el productor Ricardo Kleinman surgió el nombre que los inmortalizaría "Banana". Ese mismo año, cuando todavía estaban cursando el bachillerato, "Banana" grabó su primer simple que tenía en el lado A, Facundo ha llegado al mundo y en el B, Club de vampiros.
Para ese entonces Jorge Estévez había decidido lanzarse como solista y el productor eligió a César como vocalista. Con esta nueva formación, que incluía al Griego en guitarra, "Banana" se mantuvo hasta 1974. Luego abandonaron el grupo el Griego Scoufalos y Miguel Goreen, que había reemplazado al Toro en 1973. Entraron Willy Iturri y Pablo Guyot y en el año 1977 se incorpora Fori MAttaldi en bajo en lugar de Alejandro Giordano.
En el año 1978 César armó una nueva banda con Juan Gelly en guitarra, Diego Chornogubsky en bajo, Jose Luis Meniño en batería y él en piano y voz, y por un tiempito Rody Correa Avila también en guitarra. Esta etapa duró hasta 1984.
En el año 1984, César decide lanzarse como solista acompañado por Gustavo Avigliano en guitarra, Gustavo Bulgach en saxo, Meniño en batería y Roberto Aspeseche en bajo. A fines del '85 se incorpora Jorge Rabito en bajo y a mediados del '87 Rubén Calegari en BAtería. Más tarde Pablo Fernández en percusión. Con esta formación grabaron varios álbumes e hicieron varias actuaciones en capital y el interior del país con gran exito.
Un gran baladista, no estrictamente rock, pero que gustara a los amantes de las buenas baladas.

La Banda Spinetta - En La Rural (1977)




01 Amor de primavera
02 Barro tal vez
03 Presenta a los músicos
04 El turquito
05 Estrella gris
06 Las alas del grillo
07 Covadonga
08 Tríptico (parte 01)
09 Tríptico (parte 02)
10 Tríptico (parte 03)

Banda Spinetta : Bernardo Baraj (Vientos)
Ricardo Sanz    (Bajo)
Luis Ceravolo (Bateria)
Eduardo Zvetelman (Teclados)
Luis Alberto Spinetta (Guitarra y Voz)

La Banda Spinetta, integrada por músicos de jazz fue el grupo con el el Flaco se presentó hasta 1979, cuando organizaron la primera reunión de Almendra


Los Shakers - La Bossa Nova de Hugo y Osvaldo (1969)



1 - Sueño o Realidad
2 - Este Muchacho esta Enamorado de Ti
3 - Samba Doble
4 - Ojos Oscuros
5 - La Larga Noche
6 - Chicalanga
7 - Hechizo
8 - Me Gustas Demasiado
9 - Poema de Las Cinco Rosas
10 - Nunca Nunca
11 - Amaneciendo
12 - El Pino y La Rosa

Tras la disolucion de Los Shakers, los hermanos Fattoruso publicarian un Lp en el 69 (La Bossa Nova de Hugo y Osvaldo) de marcadas influencias brasilenas, para luego trasladarse a los Estados Unidos. Por su parte, Pelin y Caio intentarian resucitar a los Shakers (con la ayuda de los dos hermanos del bajista) con la publicacion de In The Studio Again en 1971. Como era de prever, la iniciativa fracaso, asi como la creacion en 1981 de Hugo y Osvaldo de los 'Otros Shakers'.
Se trata de un disco muy raro que editaron los hermanos Fattoruso, luego de la disolucion de Los Shakers, que parece ser, se creo por exigencias de contrato, aunque la musica simplemente es excelente.

Cortesia de Carlos Duarte.

Los Shakers - En el estudio otra vez (1971)



01 - Fuiste un mentiroso
02 - Es muy tarde
03 - Ver la luz
04 - El día que tuve un amigo
05 - Clase de goma
06 - Este es el día
07 - Dímelo con tus ojos
08 - Demasiada gente
09 - Pienso en ti
10 - Alguien
11 - Desde mi cama
12 - Para mi amigo "M"

...Despues de rodar un par de peliculas en la onda de A Hard's Day Night y Help!, los Shakers seguian apostando por la experimentacion en sencillos como 'Adorable Lola', con influencias brasilenas.


Ya en 1968, apareceria el tercer y ultimo Lp: La Conferencia Secreta del Toto's Bar. Bebiendo de Sgt.Peppers, los Shakers apostaban por una musica menos comercial que en los anteriores trabajos. Asi, las ventas fueron discretas, si bien la calidad de esta obra conceptual era bastante superior a la de los trabajos anteriores. 'BBB Band', 'On A Tuesday I Watch Channel 36' o 'Higher Than A Tower' demostraban todo el genio compositivo de los hermanos Fattoruso, capaces de melodias que bien podrian haber sido firmadas por Lennon y McCartney.
Tras la disolucion de la banda, los hermanos Fattoruso publicarian un Lp en el 69 (La Bossa Nova de Hugo y Osvaldo) de marcadas influencias brasilenas, para luego trasladarse a los Estados Unidos.

Por su parte, Pelin y Caio intentarian resucitar a los Shakers (con la ayuda de los dos hermanos del bajista) con la publicacion de In The Studio Again en 1971 bajo el nombre de Shaker’s, nombre dado por la compañía, con apostrofe, para evitar juicios.

Como era de prever, la iniciativa fracaso...


Cortesia de Carlos Duarte


martes, 25 de octubre de 2011

Billy Bond y La Pesada - Volumen 4 (1974)




1 - No nos paran más
2 - Hacia algún lugar
3 - Pinchevsky rock
4 - Gracias al cielo
5 - Estamos hartos
6 - Que sepa volar
7 - Perfidia
8 - Concientemente todo lo podras lograr


La Pesada fue una banda informal, de integrantes variables, cuyo único objetivo era acompañar a Billy Bond. Por sus filas pasaron Pappo, Pomo, Vitico, Black Amaya, David Lebón, Javier Martínez, Luis Gambolini y hasta Luis Alberto Spinetta.


Durante sus primeros años, La Pesada fue un grupo abierto. Tanto en sus actuaciones como en grabaciones, contó con la presencia eventual de músicos destacados de la escena rockera de aquellos tiempos, constituyendo así una especie de Seleccionado Nacional del rock argentino.

Disueltos Manal, Almendra y Los Gatos, grupos fundacionales del Rock de Argentina,4 se generó un vacío que. a pesar de la popularidad creciente de bandas como Vox Dei, presagiaba una probable extinción de ese movimiento alternativo tal como se concebía hasta entonces.5 Los ex miembros de las bandas disueltas encaraban la formación de nuevos grupos, pero la presencia del rock en escenarios y medios había disminuido notablemente. Por otra parte, el sello independiente Mandioca había desaparecido, y las grandes compañías discográficas no manejaban apropiadamente a sus artistas de la "Música Progresiva".

Muchos músicos que habían pertenecido a las bandas pioneras (Pappo, Spinetta, Rodolfo García, Javier Martínez, Alejandro Medina, Ciro Fogliatta) frecuentaban locales donde se tocaba informalmente, mezclándose con otros que comenzaban a destacarse (David Lebón, Black Amaya, Poli Martinez, Luis Gambolini, Rinaldo Rafanelli). De esa cantera se nutrió inicialmente La Pesada, dando oportunidad a todos ellos de tocar y crear dentro de un contexto caracterizado por su espontaneidad. El primer disco de la banda, conocido como La Oreja (en alusión a su portada), refleja el clima de las "Zapadas" (jam sessions) en las que intervinieron esos músicos.

Al frente de La Pesada... protagonizó el "primer gran escándalo" del rock nacional. Que la policía entrara a los shows y se llevara detenidos a casi todos los presentes era bastante común por aquellos tiempos de represión. Sin embargo, una noche de octubre de 1972 en el Luna Park Billy Bond invitó al público de las populares a que se ubicara en las plateas.

Ante semejante iniciativa, los espectadores se avalanzaron sobre las rejas, rompiendo varias filas de sillas para poder avanzar. En ese momento, los agentes de seguridad del lugar trataron de impedirlo y se produjo una verdadera batalla campal, que culminó con el estadio casi destruido y cientos de personas en la comisaría.

Además de las obras que dejó grabadas, La Pesada es reconocida como la banda que facilitó la transición y continuidad entre la primera generación de artistas del rock argentino y todo lo que vino después. En ella participaron ex miembros de los grupos fundacionales y también nuevas figuras que protagonizaron más tarde la implantación definitiva de ese género musical. Ese, probablemente, es el rol más destacable que cumplió La Pesada del Rock and Roll.

Este es el ultimo album de la banda, el mejor segun Billy Bond.

Discografía

Como banda acompañante de Billy Bond:
Billy Bond y la Pesada del Rock and Roll - Volumen I (1971)
Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll - Volumen II (1972)
Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll - Tontos (1973)
Billy Bond y La Pesada del Rock and Roll - Volumen IV (1974)
Lo más pesado de La Pesada (recopilatorio) (1994)

Otros acompañamientos:
Claudio Gabis y La Pesada (1972)
Alejandro Medina y La Pesada (1973)
Kubero Díaz y La Pesada (1973)
Jorge Pinchevsky, su violín mágico y La Pesada (1973)
Donna Caroll (1973)
Claudio Gabis (1974)
Cristo Rock, Raúl Porchetto (1974)
David Lebón (1974)

Otros proyectos:
La Pesada - Buenos Aires Blues (1972)
La Pesada, Ensamble Musical de Buenos Aires y Otros - La Biblia (1974)

Los Fabulosos Cadillacs - El satánico Dr. Cadillac (1989)



1."El satánico Dr. Cadillac" (Vicentico) – 4:00
2."El mensaje soy yo" (Vicentico) – 2:50
3."Chico perdido" (Vicentico, Flavio Cianciarulo) – 3:50
4."Mi nombre es Travis" (Cianciarulo, Vicentico) – 3:50
5."El golpe de tu corazón" (Cianciarulo, Vicentico) 4:10
6."Contrabando de amor" (Vicentico) – 3:27
7."Fiebre 90'" (Vicentico, Cianciarulo, Rotman) – 4:23
8."Rudy (Un mensaje para vos)" (R.Thompson) – 2:22
9."El sonido joven de América" (Cianciarulo) – 2:45
10."Todas las cosas que ella me dio" (Siperman, Vicentico, Rotman) – 3:35
11."Verano Salvaje" (Cianciarulo, Vicentico) – 3:05


El satánico Dr. Cadillac es el cuarto álbum del grupo argentino Los Fabulosos Cadillacs grabado y editado en septiembre de 1989. De este disco se extraen canciones como: "El satánico Dr. Cadillac", "El sonido joven de América" Y "Contrabando de amor".


El nombre del disco se debe obviamente al nombre de la canción homónima, pero ese tema, fue dedicado a su ex manager, a Alejandro Taranto. Luego de echarlo de la banda.


“Nuestro manager de aquel momento decía, después de nuestro segundo disco que había pegado mucho ‘Che, parece que no está funcionando, no suena el teléfono como antes, muchachos’. Y nosotros pensando ‘¿qué hacemos...?’, con una preocupación de verdad por lo que decía un salame que no tenía idea de nada. Ahí se nota que creíamos todo, aunque tampoco éramos nenes que decíamos ‘ah, bueno, hagamos un disco’. Era ‘andá a la concha de tu madre’ pero quedarte pensando. Haber echado a ese manager, fue nuestra primera decisión de ser profesionales”. (Vicentico) 

David Lebón - Nunca te Puedo Alcanzar (1987)




1. Todo en nosotros cambia
2. Dame la en re
3. Si pudiera ver el todo
4. En mi vida
5. Cambia pronto
6. Cuendo puedas solo
7. Creo que me suelto
8. Nunca te puedo alcanzar
9. Hammond Blues

David Lebón es un músico de rock, que nació en Buenos Aires (Argentina), el 5 de octubre de 1952. Formó parte de grupos trascendentales del rock argentino como Pappo's Blues (bajo y guitarra rítmica), La Pesada del Rock and Roll (guitarra), Pescado Rabioso (voz, bajo y guitarra), Color Humano (batería y coros), Espíritu (teclados) Polifemo (voz, guitarra y bajo), Seleste (voz y guitarra), Serú Girán (voz y guitarra) entre otros. Desde 1982 ha desarrollado una carrera solista.


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Regresando a sus fuentes, Lebón volvía a su estilo en el rock, la balada y con el lujo de un buen blues. Estuvo en el tope de los rankings con el pegadizo tema Creo que me suelto. Continuando Daniel Colombres en la batería, se sumaban el bajista Pablo Santos, y Silvio Furmansky en guitarra segunda, quien realiza un excelente solo en el tema Todo en nosotros cambia. Un muy buen disco, de lo mejor que realizo en los ochenta.

Hijo Jueves - EP (2009)




1. Compatible/ Algun dia
2. Pulverizar
3. Diálogo de mutantes
4. Pura luz
5. Viajamos
6. Bajo la misma forma
7. Visceral
8. Con Los ojos

Luis Z: samplers, sintes, laptop y guitarra eléctrica
Maru: voz, coros y guitarra acústica


Dúo de trip-hop formado en la Ciudad de Buenos Aires a comienzos del 2008, con influencias de Portishead, Massive Attack, Morcheeba y Orquesta de Reincidentes, entre otros.
Hijo Jueves (EP), el disco de Hijo Jueves, fue editado en 2009.

Cortesia de Horacio Traversaro.

Carlos Cutaia - Orquesta (1984)



1. Visiones incomunicadas
2. Juegos confusos
3. Uranio Enriquecido
4. Programación
5. Aproximación Dos
6. Murmullo Atonal
7. Sensación Melancólica
8. Ella Baila
9. Operativo
10. Humanos de América
11. Aproximación Uno

Cuando Cutaia (ex Pescado, Ex La Maquina de Hacer Pajaros, y varios ex mas...) se volvio tecno, con unos temas cantados por Daniel Melero (quien se encarga de todas las letras), saco este disco que sin bien paso desapercibido, demuestra una gran calidad , contando que en Argentina el experimento tecno estaba en pañales.

Es la primer participacion activa de Melero en un album, antes de la edicion del primer disco de Los Encargados.
Colabora Alejandro Oucinde, quien era compañero de Melero en el grupo susodicho.

La mayoria de los tracks estan ejecutados con un Yamaha DX7, muy buena maquina por ese entonces...

Daniela - Nunca vi un monstruo con anteojos (1993)


jamas vi un monstruo con anteojos
hablando en japones
mama, amigos, tengo una tv color
rock en la cocina
no aguanto a tu prima
la mirada del adios
cancion del marinero
cul de sac
algo flota en la laguna
juan cangrejo
solo alguien como vos

Maestra jardinera de profesión, Daniela Hacker había empezado en Piojos y Piojitos, un grupo de música para chicos.
Mas adelante se la vinculo con Daniel Grinbank, e intento hacer rock para chicos.
En su primer album, abunda el pop junto a muchos covers de temas del rock argentino como "algo flota en la laguna" de Pescado rabioso, "Hablando en japones" de Los Argentinos, "la mirada del adios" de Calamaro, "Cul de Sac" de Los Twist y "mama, amigos, tengo una tv color" de Santaolalla.
Y muchos invitados famosos...

Luego edito un segundo disco, para pasar al olvido...

La Montaña - Detras del velo (1991)


01- El Racimo
02- La Fragancia Es El Remedio
03- Detrás Del Velo
04- Energía Amatoria
05- Tierra Que Te Mueves
06- Perfume Color Oro
07- Canto A La Luna
08- Canto Del Fuego
09- Dulce Traición
10- Vocabulario

Omar Dris: voz
José Luis Moya: guitarra
Freddy Pacheco: bajo
Carlos Giódice: batería
Diego Vainer : teclados


Una olvidada banda de Mendoza, llamada originalmente Ananá Split, y con el nombre que se dio a conocer (publicando un buen demo que fue citado en revistas de la epoca, como Cantarock y el Musiquero), pero que a fines de los 80 intenta su aventura en Buenos Aires, sacando su unico disco grabado en el año 1991 en los Estudios Panda, por Mario Breuer y Andrés Calamaro , y desapareciendo...

El origen de este ripeo es muy confuso (nos lo envio hace unos años un colaborador "anonimo"). Probablemente el origen sea el blog La Cofradia, a los que agradecemos.

Rodolfo Alchourron - To be so far away (1984)


1. To be so far away
2. Samba contra las trampas
3. Explanation
4. Viromaho
5. Dream with the angels

Lado B:

1. El beso y la mano
2. Armadillo
3. Princess on vacation
4. The organ grinder

Rodolfo Alchourron
Rob Blumenthal
Steve Catalano
Eddie Daniels
David Dunaway
Mark Josefsberg
Analía Lovato
Litto Nebbia
Jerry Solomon
Jeremy Steig
Basil Tyler
Michael Urbaniak

Rodolfo Alchourron ha desarrollado una extensa actividad dentro de la música popular en las últimas décadas. Su desempeño como compositor, arreglador, director y guitarrista se ha dado con profusión prácticamente en todas las áreas: conciertos, discos, televisión, cine, teatro, etc. proporcionándole merecido renombre.

Entre las instituciones y artistas que han contado con su colaboración cabe mencionar a Agrupación Nueva Música, Instituto Di Tella, Juventudes Musicales, Teatro Gral. San Martín, New York State Council on the Arts, Meet the Composer, Astor Piazzolla, Gato Barbieri, Litto Nebbia, Enrique “Mono” Villegas, Rodolfo Mederos, Piero, Eduardo Rovira, Dino Saluzzi, Clare Fisher, Mina, Ornella Vanoni, Amelita Baltar, Michel Legrand, Alberto Cortés, Paul Anka y Domingo Cura entre muchos otros.

Después de haber estudiado con distinguidos maestros, como Ginastera, Bautista, Sinópoli, Ficher y Kröpfl, y habiendo obtenido algunas de sus obras “clásicas” premios de composición, la atención de Alchourron efectuó un viraje hacia la música popular. Atraído por el jazz desde su adolescencia, se dedicó a ese género y realizó dentro de él numerosos trabajos como autor, arreglador e intérprete, ubicándose siempre en la línea frontal de la renovación y la búsqueda. Durante la década del sesenta creó y dirigió grupos de formación diversa, desde el trío hasta la big band de diecisiete integrantes, y ya para ese entonces ocupaba un puesto destacado dentro del panorama argentino.

Entre 1970 y 1974 su conjunto “Sanata y Clarificación” se constituyó en la expresión local más relevante entre los grupos evolucionistas que intentaban la integración del jazz y el rock.

Como consecuencia de frecuentes incursiones en el tango y la música de raíz folklórica, y en combinación con un creciente interés por la canción popular como forma artística de calidad, Alchourron desjazzificó su grupo reemplazando los instrumentos de viento por un bandoneón y conformando un repertorio de canciones propias fuertemente impregnadas de elementos de la música argentina.

Radicado en Nueva York entre 1978 y 1989, actuó regularmente durante ocho años al frente de su conjunto “Southern Exposure” para el cual compuso numerosas canciones y piezas instrumentales, combinando en todas ellas elementos de jazz con ritmos folklóricos sudamericanos.

Por especial ofrecimiento de Astor Piazzolla, Alchourron reelaboró y dirigió en 1988/89 la partitura compuesta por aquél para “Dangerous Games”, obra de teatro-danza que se presentó con éxito en New York, San Francisco y otros lugares de USA.

Vuelto a Buenos Aires en 1990, presentó composiciones propias a través de dos singulares proyectos: la orquesta “Mientras Dure”, agrupación no convencional de doce integrantes, y “Ventana al Espacio”, combinación de instrumentos tradicionales y medios electrónicos, para seis ejecutantes, realizada por encargo especial de Impsat, empresa de comunicaciones satelitales.

Después de dar por terminada la actividad de su grupo “Talismán”, con el que actuó durante 1993-95, Rodolfo Alchourron se presentó desde abril de 1996 al frente de su sexteto de música original argentina contemporánea “Tango A Destiempo”.

Complementando su actividad artística, Rodolfo dictó regularmente cursos de armonía y composición desde 1969, habiendo pasado por su aula destacados músicos de nuestro medio como Bernardo Baraj, Adalberto Cevasco, Daniel Binelli, Haydée Gerardi, Saúl Cosentino, Litto Nebbia, Ricardo Lew, Norberto Minichillo y muchos otros. Fue profesor titular de las materias “Arreglos Instrumentales y Vocales” y “Práctica Grupal de Tango I y II” en la Escuela de Música Popular de Avellaneda y de “Creación Melódica - Improvisación” y “Armonía I y II” en el Instituto de Formación Autoral de SADAIC.

Escribió los libros "Composición y Arreglos de Música Popular" y "Ad Libitum - Elementos de Improvisación", ambos editados por la editorial Ricordi Americana. Su tercer libro, "Tema y Arreglo", aun no ha sido publicado.

Además de los nueve discos con su música que existen editados, el aporte creativo de Alchourron como arreglador o guitarrista ha quedado en grabaciones legendarias como “Laura va” (Almendra), “Tango en la Universidad” (E. Rovira), “Lunes de la humanidad” (L. Nebbia), “Chiquilín de Bachín” (A. Baltar), “Hoy seremos campesinos” (M. Abuelo), “Tango Apasionado” (A. Piazzolla), etc.

Rodolfo Alchourron, tan respetado por sus colegas como ignorado por el publico masivo, murió en 1999.

Celeste Carballo - Libre Acceso - Es la vida que me alcanza (1997)



1 Querido Coronel Pringles
2 Que Suerte Que Viniste
3 Una Canción Diferente
4 Me Vuelvo Cada Día Más Loca
5 Mi Voz Renacerá
6 Es La Vida Que Me Alcanza
7 Ahora Me Quedo Más Tranquila
8 Adonde Van
9 Ahora Estoy En Libertad
10 El Último Blues

recopilacion de la serie "Libre Acceso" que incluye temas de los dos primeros discos de CC.

Muy recomendable.

...En 1982, luego de varios años de presencia en el underground, graba su primer disco, Me Vuelvo Cada Día Más Loca, y cambia para siempre la historia del rock en Argentina.

Es la primera mujer en editar un álbum de rock que es Disco de Oro antes de su lanzamiento. El material reúne composiciones propias que se convertirían posteriormente en clásicos de la música nacional, como el tema que da título a la placa, Querido Coronel Pringles, el dúo con David Lebón en Una Canción Diferente, más una versión de Desconfío con la colaboración de su compositor, Pappo, y El Último Blues.

El público canta sus canciones y las hace parte de sus propias vidas. Celeste hace giras por todo el país, y con su estilo salvaje va cortando con todo lo que la gente conocía como "cantante" hasta ese momento. Sin embargo, ella no se acomoda al estereotipo de lo que debe ser una estrella de rock.

En 1983 edita su segundo disco, Mi Voz Renacerá, grabado con los músicos que la acompañan el primer año de giras por todo el país: Tweety González en teclas, Lito Epumer en guitarra, Paul Dourge como bajista y Lucio Mazaira en la batería completando un cuarteto sólido para su primera presentación en Obras. La gente repleta el estadio y Celeste logra convertirse en una figura con la mística de los grandes...

Movimiento - Primer movimiento (1982)


1-Al pie de la cordillera.
2-Por cuestas del Velazco.
3-Chacarera del Domingo.
4-Cosas del Rio de la Plata.
5-Toda la pampa.
6-Fusiones sin confusiones.
7-Paisaje puneño.
8-Por sendas humahuaqueñas.

Formacion:

Oscar Alem, Angel Cacho Ritro, Horacio Corral, Juan Alberto Pugliano, Ricardo Dominguez, Norberto Minichillo.

Un poquito de proyeccion folklorica,  fusion , o como quieran llamarlo, en este disco de estos excelentes musicos editado en 1982.

viernes, 21 de octubre de 2011

Los Inconseguibles del Rock Argentino ya ha llegado a las 10 millones de Visitas



El sitio comenzo como un blog, alla por septiembre del 2006, en el cual quise mostrar toda la maravillosa musica que me hubiese gustado que fuera reeditada,o por lo menos se le de mas cabida, y a traves de los años en muchos casos fue olvidada.

En su momento creo que habia solo dos blogs que se dedicaban a hacer algo parecido con nuestro rock argentino. Ahora son decenas, y creo que me quedo corto.

Quisieron eliminar el sitio no una, sino dos veces, con "exito relativo" ya que al poco tiempo estaba de vuelta, en nuevas direcciones y mas polenta. Espero que se pueda seguir con esta idea, que prendio en muchisima gente.


Aun si ahora el sitio tuviera que desaparecer, los de siempre no  podrian borrar lo hecho, y para mi es muy importante.

Cuando hablo de "Los Inconseguibles" ya no puedo hablar solo de mi mismo, ya que tengo que sumar a la gente que ha colaborado y sigue colaborando, a los musicos y periodistas que bancaron la idea y la apoyaron.
Y a ustedes, nuestros visitantes, fanaticos , y tambien porque no, los ocasionales.

A todos muchisimas gracias!


Creo que esta cantidad de visitas en este tiempo demuestra que hay muchisima gente que necesita de un espacio asi, y lo disfruta.
Sigamos disfrutando.

Un gran abrazo a todos
Marcelo B.

Charly Garcia - Los elegidos del nueve (Conduccion J.A. Badia) (Video) (1982)

Charly y Badia, junto a
 Daniel Grinbank y Renata Schussheim

 

Carlos Alberto García Moreno, más conocido por su nombre artístico, Charly García , nacio en Buenos Aires; 23 de octubre de 1951, es decir... que en un par de dias cumplira 60 años.

Felicidades Charly!!!

Este video va para vos, y para todos los que disfrutan de la obra del bicolor...

...En 1982, después de disolverse Seru Giran, un mas joven Charly García inicia su carrera solista, con su primer album: Yendo de la cama al living


Lo presenta en el estadio Ferrocarril Oeste. Un show muy especial, muy emotivo, y espectacular en materia musical. Con sonido optimo...


Charly estuvo acompañado por Willy Iturri, Cachorro López, Gustavo Bazterrica y Andrés Calamaro. Como invitados participaron Pedro Aznar , Mercedes Sosa, y Nito Mestre.

En este programa especial, se incluye gran parte de este concierto, junto con temas tocados en estudio, y reportajes a Charly y a los miembros de la banda.


Imperdible! A disfrutarlo!!!

PARTE 1
PARTE 2
PARTE 3
PARTE 4
PARTE 5
PARTE 6

Carlos Cutaia - Ciudad de tonos lejanos (1982)


Ella viene
Boogie sentimental
Ciudad de tonos lejanos
Meseta
Dos minutos clavados
Aires del sur
Nexo
Paisaje circular
Gymnopedies L



Este pianista y tecladista compuso diversas bandas sonoras para espectáculos de danza y teatro. Junto a Miguel Abuelo y Pomo formó El Huevo, un trío de fusión rock-latino.
En 1972 fue convocado a participar de
Pescado Rabioso, el grupo de Luis Alberto Spinetta. En el período 1976/77 formó parte de La Máquina de Hacer Pájaros, proyecto casi sinfónico de Charly García que contaba con dos tecladistas, hecho inédito en nuestro país.
En 1979 formó
Ce.Ce.Cutaia, un dúo junto a su esposa Carola (en realidad Carolina María Fasulo). Juntos grabaron "Rota tierra rota".
En 1983 editó un álbum solista, llamado
"Ciudad de tonos lejanos", junto a Oscar Moro. Y en 1985 "Carlos Cutaia Orquesta", con Daniel Melero y Alejandro Oucinde.
Dirigió la comedia musical "Chicago" en Santiago de Chile, compuso la ópera rock "Romeo y Julieta" (estrenada en el Teatro Coliseo de Buenos Aires), para luego formar una productora de música publicitaria.
Realizó los arreglos para la Sinfónica Nacional para la presentación junto a
Memphis La Blusera en la grabación del disco "En vivo en el Teatro Colón" (2004).
Con Liliana en voz, Daniel Pipi Piazzolla en batería y Ezequiel Cutaia en contrabajo grabó
"Para la guerra del tango" (2004), trabajo por el cual recibió el Precio Carlos Gardel 2005 en la categoría "Tango - Nuevas formas". «Esta es una propuesta donde compongo con una intención tanguera, incorporando libremente, como un juego, mis influencias musicales: jazz, clásica contemporánea y el rock», explicaba Cutaia.
En el 2005 lanzó
"Sensación melancólica", acompañado por su hijo Ezequiel en contrabajo, Pipi Piazzolla en batería, Alejandro Guerschberg en bandoneón, Luis Roggero en violín y Liliana Barrios en voz, con la participación de Daniel Melingo en voz y Néstor Marconi en bandoneón.

Illya Kuryaki & The Valderramas - Fabrico Cuero (1991)



1. Jubilados Violentos
2. Amuleto
3. Es tuya Juan
4. Fabrico Cuero
5. Nacidos para ser Argentos
6. No caigas
7. Corrupción gringa

Dante Spinetta: voz y guitarra
Emmanuel Horvilleur: voz y bajo

En 1990 Emmanuel (hijo del fotógrafo Eduardo Martí) y Dante deciden alejarse de Pechugo (todos los hijos de Spinetta y los de Eduardo Martí quienes grabaron el tema EL MONO TREMENDO en el disco TESTER DE VIOLENCIA, de Luis Alberto Spinetta, y forman Illya Kuryaki and the Valderramas, nombre que proviene de dos divisiones: uno, el personaje de El Agente de Cipol y el otro, el eterno 10 colombiano Carlos Valderrama ; representando lo blanco/sajón y lo negro/latino de su música.

Fabrico Cuero fue su primer disco, hacia 1991, en donde se sintetizan sonidos raperos, un nuevo oído para Latinoamérica. Fue toda una novedad, tanto para el público como para la crítica. Illya Kuryaki no fue la primer banda en hacer hip hop, pero fue la que rompió esa barrera entre Latinoamérica y el rap. Si la mayoría de grupos de hip hop de la época (Beastie Boys, Cypress Hill, Run DMC, etc.) tenían tres integrantes, ¿por qué no podían hacerlo dos, y además, latinos? Fabrico Cuero fue producido Luis Alberto Spinetta, y grabado en sus estudios.
Los músicos de la grabación del disco fueron Javier Malosetti en bajo, Claudio Cardone en Teclados, Pomo en batería, Mono Fontana con algunas colaboraciones en teclados, y un misterioso guitarrista denominado simplemente L. A. S., Luego la banda se compuso con Alejandro Rozitchner en el bajo y Dante en las programaciones, y se animaban a hacer rimas. Su música en un principio no fue muy bien aceptada, pero a pesar de eso insistieron y poco a poco se fueron metiendo en el gusto del público. Es que el oído argentino todavía no estaba demasiado seguro de que ese género que los Kuryaki cultivaban, les perteneciese.

En ese momento se especuló con que la difusión del dúo tenía más que ver con el apellido que con sus habilidades musicales. Llegaron a a ser invitados por Charly García para tocar 'Fabrico cuero' mezclado con 'Rap del exilio' en sus shows de Ferro de 1991. Ese año fueron votados como la Revelación en el Suplemento Sí de Clarín.
Este su primer disco con el que marcarían una nueva época en la música argentina.

Cortesia de Carlos Salta

David Lebon - Contactos (1989)



1. Deja ir
2. Yo te voy a dar
3. Dejá de jugar
4. Se lo que buscas
5. Prácticamente un blues
6. No te excedas
7. Y yo tirado ahí
8. Para siempre voy a ver
9. Temor al placer


Aunque continuando con su estilo, en este trabajo, algunos temas se acercan a ritmos como el pop o los llamados «latinos». Para este disco, modificaría la estructura de su banda, con Mario Parmisano en teclados, Andrea Álvarez en percusión, Christian Judurcha en batería y Daniel Sais en teclados, continuando en el bajo Pablo Santos. De este disco, uno de los temas más recordados es Temor al placer, que Lebón ha incluido en sus últimos repertorios.

El sonido es optimo (no el ripeo de vinilo que anda por ahi...).

Cortesia de Ricardo Gré

Martes Menta- 17 caramelos (1992)



Azul
Nada de nada
Chelsy
Atrapar tu sol
Eléctrico pomelo
Canción del tonto
Fiebre
En vos
Que ves el cielo
Canción de cuna
Cabezazos contra la pared
Juliana y la canción del elefante
El último sol de abril
17 caramelos



Manzanita: teclados
Michu: batería
Yanni-Da: percusión

Ariel Minimal: voz y guitarra
Fabián Ghía: bajo



Ariel Minimal encabezaba el grupo Los Minimals hasta que en 1991 fundó Martes Menta, con influencias del rock inglés de la época.
Se presentaron en reiteradas oportunidades junto a
Babasónicos, Los Brujos y Tía Newton. Esta banda fue apadrinada por Soda Stereo y tocaron como soporte de ellos en la presentación de "Dynamo", en diciembre de 1992.
EL disco, "17 caramelos", incluye un cover de "Que ves el cielo", de
Invisible.
En 1993 llegaron a grabar la segunda placa, pero nunca se editó por la disolución previa de la banda.

V.A.- Tributo Argentino a Depeche Mode Vol.1 (2011)



1. Photographic - Matias Barra
2. New Life - RIO
3. The sun and the rainfall - Subjetivo
4. Work Hard - Hidden Souls
5. Black Celebration - Ecos en Syncro
6. But not tonight - Dossiers Secrets
7. World full of nothing - Supersticion Dark
8. Never let me down again - Distant Project
9. Ruta 66 - Chrisfeld
10. World in my Eyes - Lastrax
11. Halo - Hera
12. Rush - Hertzmaschinae
13. 13 - Useless - Art Nouveau
14. 14 - Insight - Heroina
15. Dream on - Beat Cairo
16. I feel loved - El Signo

Ricardo de www.dmtributo.com.ar nos escribe:
"En el Tributo en su web en el mismo tenes bandas como El Signo. Art nouveau Lastrax y otras.

Descarga el CD Depeche Mode Tributo Argentino vol 1, ya estamos trabajando en el Vol. 2 reuniendo a los mayores exponente del genero en nuestro pais.

http://www.facebook.com/event.php?eid=242561342441558

Descarga aqui nuestro CD, para adquirir el mismo podes pasar por Cinema Records, Hotter Records en Galeria Jardin y varios puntos de venta:

http://www.dmtributo.com.ar/Depeche_Mode_Tributo_%20Argentino_%20Vol_1.rar


http://www.facebook.com/note.php?note_id=177326509003354

Nacha Guevara - Heavy Tango (1991)



01 - Uno
02 - Yira yira
03 - La última curda
04 - Malevaje
05 - Cambalache
06 - Desencuentro
07 - Mi buenos aires querido
08 - Se Dice De Mi (con Tita Merello)
09 - Los mareados
10 - El choclo
11 - Che bandoneón

Este disco existio, una rareza, un "casi inconseguible" y quizas uno de los peores discos del "rock" argentino, o algo parecido.

Dejemos hablar al blog http://www.lospeoresdiscos.blogspot.com , que explica muy bien de que se trata. Tomense la nota con humor, como debe ser! :

"Para aquellos que no tienen el gusto de conocerla, Clotilde Acosta (alias 'Nacha Guevara') es una actriz y cantante surgida a fines de la década del '60, al amparo de otra de las delirantes ideas del Instituto Di Tella. Famosa por su carácter irascible, fue célebre la anécdota que relataba como le rompió un vaso en la cara a Marcos Mundstock -de Les Luthiers-, debido a "celos profesionales".
Eterna veleta de la moda artística imperante, dedicó su carrera a los café-concerts entonando canciones de protesta e irrumpiendo en la década siguiente con categóricas muecas al music hall. En 1974, debió exiliarse a causa de las amenazas de la triple A, radicándose primero en México y luego en España. De esa época es su popular versión en castellano de "Don’t cry for me Argentina", del horrible musical “Evita”.

En los últimos '80s, intentó editar un disco de tango junto al eterno desafiador de la ley de gravedad capilar, el tecladista Lito Vitale, cosa que no logró llevar a cabo, y para mitigar tamaña frustración, inició una relación con un sujeto veinte años más joven -Mike Ron Sini-, cuya única credencial artística era poseer una Harley-Davidson. Este ilustre desconocido la convenció de hacer un disco de tango pero con marcado sabor a hair-metal. Nacha convocó entonces a los "mejores" sesionistas de este género, para llevar a cabo su nueva afrenta al buen gusto. En el álbum “Heavy tango”, de 1991, no figuran los "beneficiados", pero es casi seguro que se trataría de B.B. Peña en batería (ex Vitiken y ex Alakran), Sergio León en guitarras (ex Alakran), Pablo Finger en teclados (ex Alakran), y un bajista que no recuerdo, tal vez por no haber estado nunca en Alakran.

El resultado fue insultante. Nacha y compañía arruinaron ambos géneros, bajo el aberrante slogan demagogo de "una buena idea para acercar el tango a los jóvenes". Nacha gime su indisimulable menopausia e intenta pasar por chica dura durante los once números espantosos de este disco que no debería ser para el olvido, porque... ¡si algo nos falta a los argentinos, es memoria!
Incluso debe agregarse el demérito de haber compartido con Tita Merello una versión ¡DISCO! de “Se dice de mí”, lo que constituyó la última hazaña de Tita, quien, confundida y engañada, exclama al final del tema: “Nachita, ¿querés un consejo? Hay que seguir, hay que crecer”. La Merello, poco después, moriría… ¿de vieja?

Aún así, lo más patético de este proyecto ególatra, además del asqueroso ¡RAP! de “Cambalache”, fue que Mike Ron Sini, a pesar de no haber tocado jamás una guitarra en su vida, se presentaba como una especie de John Petrucci criollo, haciendo galas de una pirotecnia escénica al mejor estilo de violeros tipo Ratt o White Lion.
En los shows que lograron dar -todos en teatros de la calle Corrientes, más una memorable aparición en un programa conducido por Raffaella Carrà-, el susodicho tocaba haciendo mímica y poniendo caripelas de rockstar, mientras que detrás del escenario padecía y sudaba el verdadero guitarrista.
¿Saben? Los que concurrieron a ver este show son más vergonzantes que aquellos que niegan haber votado a Menem.

Hay antecedentes de este tango fusión, pero hecho con buena intención, en una vieja banda metalera llamada Hammer, sin olvidarnos de la mítica versión de “Cambalache”, grabada por Hermética y editada un año antes que esta farsa, y que fue cantada por Ricardo “Sieg heil!” Iorio. Un detalle más para pintar de cuerpo entero la poca originalidad de Nacha Guevara y su mero afán de llamar la atención, lo que compone su único y real mérito.
Luego de su paso frustrado por el metal, la señora Clotilde hizo borrón y cuenta nueva, volcándose de lleno a la new-age, lo cual nos acentúa aún más la incredibilidad de la artista. Todo esto a través de un programa dedicado a la autoayuda, donde anotaba frases con rouge en un espejo y se besaba a sí misma.
Hoy aparenta tener 60 años menos de los 108 que realmente detenta, lo cual exacerba su doctrina de “un cuerpo sano vegetariano libre de cirugías”, pero justo es decir que su contextura es admirable, lo cual demostró hace unos años cuando volvió a ser noticia al interpretar el papel de la señora Robinson en la versión teatral de “El Graduado”, donde se desnudaba. Los medios cubrieron ampliamente el suceso, y hasta hubo algunas declaraciones de luminarias que sobrepasaron la opinión de los expertos: "No sabía si mirarle las lolas o la coneja", fueron textuales palabras de elogio de Pata Villanueva.

Conclusión: Ojalá no falte quien le pueda sugerir nuevas ideas a la Guevara, tales como fusionar punk con folclore, dando pie a un posible espectáculo llamado “Punklore”, o mezclar chamamé con heavy metal, logrando así el musical “Chamametal”. Digo esto por si a Nacha pudiera ocurrírsele la extravagancia de hacer una remake de "Evita".
Algo así como: “Si Evita viviera, sería motoquera
”. "

The Kavanaghs - All the time (2006)




Banda retro-power-pop de Rosario, Argentina,.

The Kavanaghs se encuentra borrando las fronteras de la música grabando y editando su música en Inglaterra y Estados Unidos, al tiempo en sus canciones también encuentran su lugar en America Latina.
All the time, el primer single del grupo fue editado en diciembre de 2006 en Inglaterra por Matchbox Recordings.

01.All the time
Compuesta y producida por Tiago
Esta canción es el primer single de The Kavanaghs.Grabada durante mayo de 2006.Editada en Inglaterra 6 meses más tarde por el sello Matchbox Recordings.

02- The simple things
Compuesta y producida por Tiago
Grabada durante la misma sesión para All the time.Esta canción, al igual que la anterior, formaron parte del álbum debut de The Kavanaghs.


 

Nicolas Ammi - Circulo 3 (2011)



Nicolás Ammi (ex cantante y guitarrista de EL OJO DE SHIVA)
presenta su tercer disco como solista, CIRCULO 3, Este trabajo es la continuación de www.myspace.com/circulo2
Consta de 5 temas compuestos e interpretados por Nicolás Ammi, Este disco es la tercera y última entrega de Circulo.

www.myspace.com/circulo3


Circulo 3:
El Circulo se cierra y llega a su fin, Nicolás Ammi da por terminada esta serie con 5 canciones donde sigue labrando un nuevo camino musical, empezando con un tema instrumental, que se llama Telúrica, el cantaautor nos muestra un paisaje autóctono sonoro distinto, una chacarera fusión que invita a dejarse llevar por su potencia ritmica. El libro de los rostros es el Segundo tema del disco en el cual nos introduce en la temática de las famosas redes sociales, su popularidad, con una critica hacia la distorsión de la realidad por su indiscriminado uso. Mkt es un rock directo, con un riff de guitarra bien al frente contándonos las premisas del consumismo moderno. El Viaje, con unos tintes Post Punk, nos introduce en un recorrido casi hipnótico en donde la conciencia atraviesa por una especie de revelación. Terminando el disco Circulo Cerrado es la canción que con sonidos progresivos concluye un trayecto sin tiempo, sin lugar pero con una sola verdad.
Este disco trata de representar las idas y vueltas de este mundo actual que nos toca vivir, sin saber como empezamos y hacia donde terminaremos. Bienvenidos al CIRCULO…


Ficha técnica:
CIRCULO 3: Grabado, mezclado y masterizado por N. Ammi entre Ene. y Feb. de 2011. Estudio “No Artist”.

Lista de temas: 1)Telúrica (Instrumental)
2)El libro de los rostros
3)Mkt
4)El Viaje
5)Circulo cerrado

lunes, 17 de octubre de 2011

Charly Garcia - En Ferro , Diciembre 1982 (1982)















01 Pubis angelical
02 Canción de 2x3
03 No llores por mi, Argentina
04 Yendo de la cama al living
05 Viernes 3 AM
06 Antes de gira
07 Vos tambien estabas verde
08 Marilyn, la cenicienta y las mujeres
09 Quizás porque
10 No te dejes desanimar CON PEDRO AZNAR
11 Desarma y Sangra CON PEDRO AZNAR
12 Cinema verité CON PEDRO AZNAR
13 Inconsciente colectivo CON MERCEDES SOSA
14 Cuando ya me empiece a quedar solo CON MERCEDES SOSA
15 Los dinosaurios
17 Hipercandombe
18 Yo no quiero volverme tan loco
19 Superhéroes CON NITO MESTRE
20 No bombardeen Buenos Aires
21 Peluca telefónica CON PEDRO AZNAR
22 Bienvenidos al tren CON NITO MESTRE
23 Inconsciente colectivo

En 1982 , luego de la separacion de Seru Giran, Charly García hizo la banda sonora de Pubis angelical, película de Raúl de la Torre, adaptada de la novela de Manuel Puig, que fue también guionista.
Ese mismo año edita Yendo de la cama al living, disco en el cual capta el clima de posguerra que había dejado el conflicto de Malvinas y que fue presentado a fines de ese año en el estadio de Ferrocarril Oeste.

Lo presenta en el estadio Ferrocarril Oeste. En un show muy especial, muy emotivo, y espectacular en materia musical. Con sonido optimo


Charly estuvo acompañado por Willy Iturri, Cachorro López, Gustavo Bazterrica y Andrés Calamaro, los tres ultimos en su momento miembros de Los Abuelos de la Nada.
Como invitados participaron Pedro Aznar , Mercedes Sosa, y Nito Mestre.

Mortadela Rancia - Ciudad Paranoia (1998)





Diego Giordano: batería
Gonzalo Aloras: guitarra, teclados y voz
Lisandro Falcone: bajo

Mortadela Rancia fue el primer grupo que integró Gonzalo Aloras en su Rosario natal, allá por el año 1992. Dos años mas tarde graban "Ciudad Paranoia", disco que sería distribuido recién en 1998 por Polygram.

En el '99 fueron invitados por Fito Páez para tocar como teloneros en el Teatro Astengo.

Discografía

Ciudad Paranoia, 1998

Cortesia de Leonardo Cesarini

Quebra Mola - Quebra Mola (1997)




José Agote - Guitarra y voz
Fernando Lee - Bajo, voz
Pablo Sabalia - Batería y voz

Trio eclectico que se forma con ex -integrantes de Los Ladrones Sueltos, edita este album que abarca una gran cantidad de estilos.

Editaron su album debut en el año 1997, bajo el nombre de "Quebra Mola" y este disco incluyo sus exitos, "Desde que te fuiste","Nada que hacer" y "Otra vez", en el año 98 editarian su segunda placa bajo el nombre de Boogie Vamp.

Sandra Mihanovich - Soy lo que soy (1984)




Soy lo que soy
Como el juez a la verdad
Por qué
Todo sin vos
Desnudar nuestros deseos
Se metieron con todo
Una mujer
Nacer de nuevo
Dame más, quiero más
Te tengo en casa conmigo
Sola en mi

Esta vocalista comenzó su carrera discográfica con 'Pienso en vos' (1977), que incluyó temas en castelano y en inglés. Sandra había sido intérprete de jingles publicitarios.

Uno de los integrantes de su banda en sus inicios fue Alejandro Lerner. Hubo un lapso de cinco años entre su primer y su segundo álbum, en ese tiempo Sandra se dedicó a la actuación y participó en varias películas, pero no dejó de lado la música, seguía cantando en pubs y así fue que conoció a muchos músicos importantes en su carrera musical, como Marilina Ross, Alejandro Lerner, Celeste Carballo, etc. La canción "Puerto Pollensa" (de Marilina Ross), de su segundo disco, fue la que la llevó al éxito, que terminó de confirmarse con el álbum "Soy lo que soy" (1984).

Es importante mencionar un evento que marcó la carrera de Sandra, y es su participación en Obras, el 2 de octubre de 1982, ella fue la primera mujer que cantó en el estadio de la Avenida Libertador, considerado como la catedral del rock, y su actuación fue todo un éxito, tanto que las entradas se agotaron y se tuvo que repetir la función.

Proyecto Gómez - Basico (2009)



Baterista virtuoso, locomotora de un proyecto experimental, líder del trío Gordolöco y a la vez parte del trío de funk-jazz Open 24, Rodrigo Gómez asoma como un personaje peculiar en la escena musical porteña. En cuyas pistas, además, apenas cuelga los palillos, baila como un poseído.

Acaba de terminar de tocar Open 24, el trío de funk-jazz que anima los sábados en el bar Thelonius y su baterista ya está bailando. Totalmente abstraído por el hip hop que suena en la pista, da la impresión de no poder escapar a los embrujos del ritmo. Alguien lo señala y dice:
"Ese es Gordolöco". Morrudo aunque no gordo, a Rodrigo Gómez le pusieron de apodo el nombre de su otro grupo, el Gordolöco Trío. De hecho, Gómez toca la batería y baila... como un loco.

Baterista virtuoso, Gómez completa su actualidad musical con un extravagante proyecto llamado justamente Proyecto Gómez. El año pasado presentó un disco en su casa ante 300 personas con una instalación de 4 televisores que pasaban una composición de 20 minutos de loops visuales trabaja dos en VHS. Dentro de unos días, Gómez va a presentar un show con el sonido producido por los plugs de cables conectados de la consola al aire. Bienvenidos al planeta Gómez. "A los 4 años me regalaron un bombo legüero. Parece que cuando sonaba música yo le señalaba a mi vieja el grabador . Así que a eso se le sumó que me ponía a golpear cualquier cosa que tenía a mano y entendió que lo que le señalaba era el sonido de la batería. Así que ya a los 9 años me puse a estudiar batería
Y todavía no paré." Cuando empezó a tocar era un pibe más bien flaco. Como presagiando su apodo, a los 10 años empezó a comer... como un gordo loco. "A los 12 años tuve un experiencia increíble: tocar en una orquesta de cámara. Yo no tenía ni idea de cómo se tocaba, pero hasta los 17 años toqué ahí." Gómez sólo escuchaba música clásica cuando tocaba la marimba y los timbales. "De chico escuché mucho a Spinetta y la verdad es que todavía lo sigo escuchando. Y siempre tuve muchos proyectos. Desde los 12 o 13 años siempre estuve armando proyectos. Yo creo mucho en eso: si uno tiene ideas, y tiene confianza en lo que está haciendo, es importante concretarlos: y eso más allá de si está bueno o no."
Pero aunque todos sus proyectos le parezcan importantes, su ascendente prestigio actual se lo debe básicamente a Open 24 (en el que tocan los hermanos Seca y Lucas Cutaia, ambos hijos del gran Carlos Cutaia, el mismo de Pescado Rabioso y La Máquina de Hacer Pájaros) y al Gordolöco Trío: "Y sí, hay gente que me dice Gordolöco. Pero, en realidad, es el nombre de un grupo y somos un trío de personas que laburamos a la par". Integrando al jazz elementos de la música electrónica, en el 2002 hicieron Antenas, a lo que se le suma un nuevo disco que está por salir que se va a llamar...
 ¿Copani?
Basta escuchar la risa de Gómez para entender que el absurdo sentido del título. "Ignacio Copani es tremendo. Fuimos a tocar a Entre Ríos y compartimos cartel con él. A nosotros nos pusieron como Loco Gordo Trío. Y al lado: Ignacio Copani, que tocó el día anterior. ¡Ja! Pero hay algo interesante: si vos repetís la palabra se genera un doble sentido: copanicopanicopanico..."


¿Pero a alguno de los tres integrantes del grupo les gusta Copani?

"Definitivamente no", sentencia Gómez, ahora serio. Aunque la coherencia de la estética del trío es innegable, Rodrigo "Gordolöco" Gómez se distingue tanto por su carisma como por un virtuosismo que, afortunadamente, está puesto en función de las ideas. "A mí me interesa el jazz porque me parece que ahí hay un montón de información para transformar. Mi relación con el jazz tiene que ver con la posibilidad de vincularme con otras músicas: si quiero tocar música jungle, es importante que sepa que eso es como un ritmo de jazz up-tempo. Para mí, John Coltrane es punk. La técnica tiene que ser un medio para la idea."

Para Gómez, decir improvisación es decir composición: "Creo que la improvisación tiene que ver con lo que vos podés decidir cuando estás tocando, porque podés escuchar que alguien del público está haciendo algo que te inspire una idea". Por eso, una de las ideas del trío –que se completa con Mauro Maurelos (trompetista) y Hernán (en el bajo)– es la de moverse en una zona de riesgo permanente: todos sus recitales son improvisados. "Creo que correr riesgos tiene que ver con estar seguro. A veces el riesgo no pasa por un riesgo técnico sino por tocar durante 2 minutos clink, clink, clink." Para mí, cuando uno hace lo que tiene ganas de hacer todo se transforma en algo muy lindo automáticamente. Yo traté de ir esquivando cosas y solamente hacer música, y darme manija que está todo bien, aunque pasara hambre. Y eso te da una tranquilidad, es como si todos los días fueran un domingo. Y si hay tanta tranquilidad vas a tener que arriesgar sí o sí."

Data tomada de Radar-Pagina 12.

Cortesia de Horacio Traversaro

Suburbio Rock - Demo (2006)



SUBURBIO ROCK nace allá por el año 1995 como el deseo de un grupo de estudiantes de participar de un recital organizado por el colegio normal de San Fernando. Un grupo de amigos se juntaron, decidieron armar la banda y tocaron en el festival. En aquella formación inicial ya estaban Leo como cantante y Arlea como violero. En ese mismo festival debutaba también una banda llama Rocanblues que se conocería mas tarde en toda zona norte como Almas Gemelas, que tuvo entre sus fundadores a Ivan.

Durante un tiempo siguieron tocando y nacieron muchos de los temas que hoy agitan todos los suburbanos, pero la banda no logro asentarse como tal y algunos de sus integrantes dejaron de tocar en SUBURBIO ROCK.

Durante dos o tres años SUBURBIO ROCK no tocó como una banda, pero Leo y Arlea mantuvieron viva la llama de este sentimiento vivo, subiendo a un escenario al escenario de un bar o a la mesa de cualquier amigo que cumpliera años para tocar a dos violas.

Ivan comenzaba a darle una mano importante a la banda colaborando con el bajo o la viola y Pablito ya era el batero de Suburbio.

Cerca de 2002 se integra el Chingua a la banda y encontramos por primera vez la formación actual. Pero durante un tiempo varios de los integrantes tenían otras bandas, tiempos en los que era mas importante tocar que hacer una planificación a largo plazo.

A fines de 2005 o principios de 2006, quizás incentivados por una muy buena fecha en el Club Expreso de San Fernando, los chicos se deciden a poner todo su esfuerzo para hacer de SUBURBIO ROCK una ilusión conjunta, trabajando mas profesionalmente. Ya no existían otras bandas y la gente empezaba a acompañar masivamente.

Justamente el Club Expreso de San Fernando albergo varias de las mejores expresiones de SUBURBIO y a lo largo de 2006 recibió otras 5 veces a la banda y la gente acompañaba cada vez mas.

La banda graba dos demos en sala de ensayo en el transcurso de 2006 y los regala a su público en dos fechas diferentes de dicho año.

Otros lugares recibieron a la banda, el salón del Barrio Infico, Marina, el Diabliyo de Ugarte, el City Bar de Martinez y CBGB son recordados por muchos. Y los pocos que tuvieron el placer de disfrutarlo jamás olvidarán aquel viaje a La Salada.

Pero eso parecía ser solo el comienzo de la banda, en el primer mes de 2007 suburbio es invitado a tocar en Villa Gesell y mas de un centenar de suburbanos se pasearon por calles y playas de la ciudad balnearia sin que nadie entendiera de donde venían. Pero sin lugar a dudas los que se animaron a acercarse a ver a esa “nueva” banda no tuvieron dudas de su éxito.

Los proyectos para 2007 son muchos y sin lugar a dudas en primer lugar está tener antes de que termine el año el primer disco en la calle. Pero esto recién comienza y la rueda sigue girando y las fechas se siguen sucediendo y la banda se encuentre en el mes de marzo tocando gratis para el proyecto San Fernando Joven en el mes de marzo, cerrando la primer fecha del año de dicho proyecto y la gente da su mejor expresión, mas de mil personas agitaron banderas, cantaron y hasta hicieron llorar a algún desprevenido durante dos horas.

Entre tata organización surgió el problema del nombre que hace menos de un año fue registrado por una banda de zona sur, así que hoy SUBURBIO ROCK toca bajo la denominación legal de “simplemente SUBURBIO ROCK”.

http://www.suburbiorock.com.ar

Noir - Cria cuervos (2007)






01 Arquitortura del vientre
02 Declaracion frente al espejo
03 Pelicula para adultos
04 Sucedera (Clitorea Egolatrum)
05 Crisalida I
06 Los jardines nos detestan
07 Tu novia esta ebria II
08 Prostituta psicodelica
09 Xes
10 Mi segundo invierno

Marco Svega: Voz.
Americo Bedregal: guitarra
Renato Catacora: guitarra
Guillermo Bedregal: bajo

Marco Svega , cantante del grupo , nos ha mandado este disco de esta banda de Salta (por cierto que faltaba un poco de música de esa región en el blog).

El disco esta editado en forma independiente en Peru.

En un estilo algo pesado con toques dark, en un espectro de influencias que van desde Soda Stereo, hasta Los Heroes del Silencio .
La banda esta que recide actualmente en el Peru por motivos de trabajo .

Cabeza de Chola - Para volar (2001)



01. Tipo raro
02. Tres rios
03. El mundo del remis
04. Me gusta el vino
05. Adonde vas adonde voy
06. Ya
07. Destructor man
08. Burro
09. Everiday
10. Sin safar safo


Músicos invitados: Diego Arnedo, Alejandro Sokol, Germán Dafunchio, Carlos Arim, Tito Fargo, Hector Sosa.

http://www.cabezadechola.com.ar/


Banda de reggae y ska, nacida en Hurlingham en Mayo de 1998. El proyecto logra darse a conocer el 20 de septiembre de 1998 en el Centro Cultural de Hurlingham.
Cabeza de Chola se presenta paulatinamente en Capital, Gran Bs.As., Cordoba y la Costa Atlantica con alentadora respuesta ante tan heterogeneo publico.
Durante pleno circo menemista, la banda emprende camino hacia la grabacion de su primer disco-demo: "Rey Burro". Esta placa conto con la produccion artstica de Tito Fargo y con la ayuda incondicional de numerosos personajes del medio vernaculo.

Esta experiencia posibilito que en el 2000 la banda grabara su primer CD larga duracion: PARA VOLAR, que fue realizado por Silly Records en el estudio Los Angeles de Nono, Traslasierra (Pcia. de Cordoba), producido nuevamente por Tito Fargo y distribudo por DBN. La placa conto con invitados de la talla de Diego Arnedo, Alejandro Sokol y German Dafuncchio.
PARA VOLAR fue elegido por la revista Rolling Stone como uno de los 10 mejores discos Reggae del 2001.
Debido a la crisis económica argentina, DBN no pudo dar el apoyo prometido a PARA VOLAR y como resultado la banda tuvo que colocar en cero el cuenta vueltas y recomenzar la historia.

Coertesia de Enrique Fernandez   

Juglar - Nada que ver (2004)



JUGLAR es una banda formada en el año 2001 en la ciudad de Bahia Blanca, provincia de Buenos Aires, Argentina.

De variadas influencias compuestas por rock argentino, español, anglosajon y musica etnica que se fusionan en originales canciones que se desprenden del rock sin perder fuerza y llegada.

Harlem (1988-1989)


Pablo Mamiaro nos cuenta la historia de este grupo:


Fue una banda de rock, en la que tocabamos...

Fernando Tocalini: Voz
Ariel: Bajo
Nando Lopez y luego Claudio Garcia: Bateria
Pablo Mamiaro: Guitarra

Tocamos en el circuito de pubs de cap fed, a saber...
La Luna, Patan Bar, Isis, etc. Compartimos fechas con Luis XV, Rocabilly Boogie Boys, 3-23 Rehen, etc. En Patan Bar, en esos tiempos tambien tocaba La Renga...


Los demos que pueden oir fueron grabados en "El comedor de los bucaneros" y "ya no quiero nada" lo grabamos en lo de Lebon, con Peter Baleani, un mostro.

Disfruten amigos!

Pablo Mamiaro
www.myspace.com/mamiaro
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